Guardi y Venecia

 

El Museo Thyssen presenta la exposición, GUARDI Y VENECIA EN LA COLECCIÓN DEL MUSEO GULBENKIAN, que reúne todas las pinturas que dicho museo atesora, unas 18, más un dibujo, formando una pequeña muestra de este artista, como colaboración entre distintas instituciones. Están fechadas entre 1765 y 1791, y se agrupan según representen los lugares más icónicos de la ciudad; las fiestas y los eventos multitudinarios; y los alrededores y algunos caprichos. Guardi, tras el fallecimiento de Canalleto en 1768, se convirtió en el vedutista más importante de Venecia. Si al principio, siguió el estilo preciso de su predecesor, luego desarrolló uno propio más dinámico y emotivo.

Entre las vistas más repetidas, destacan las que representan al puente de Rialto desde distintos puntos de vista. Un puente que el artista se permite pintar según el antiguo proyecto de Palladio. Este lugar era el centro económico de la ciudad, y hay atracaban las barcazas que abastecían a los mercados situados alrededor del Gran Canal. También, otros puntos destacados eran la plaza de San Marcos y el Palacio Ducal, sin olvidar el conjunto de San Giorgio Maggiore. Una de las fiestas más importantes era la de la Ascensión, que conmemoraba la hegemonía de la República sobre el mar, y se escenificaba con la salida del Dux a bordo del barco, Bucintoro. Igualmente, eran destacadas las vistas de regatas, que propiciaron extraordinarios escenarios compuestos de embarcaciones, arquitecturas engalanadas y grupos de figuras, donde el cielo y el agua comparten protagonismo.

Frente a los grandes acontecimientos, Guardi, representa los alrededores modestos de Venecia, como Dolo, donde cobra protagonismo la vida cotidiana de personajes anónimos que se encargan de sus labores diarias. Finalmente, esta pequeña exposición, muestra el tema de los caprichos, que tienen como motivo central, el paisaje junto a templos, ruinas, pórticos y arcadas. Son pequeñas obras en las cuales se deja llevar por la inventiva por medio de una pincelada suelta y dinámica. Transmite el paso del tiempo a través del deterioro de los elementos envueltos en una atmósfera lírica, embargándonos de un sentimiento de nostalgia.

La escultura de Jaume Plensa

 

La Fundación Telefónica presenta en Madrid la exposición, JAUME PLENSA. MATERIA INTERIOR, que reúne 15 obras que abarcan treinta años de la trayectoria del artista catalán, que se completa con un documental acerca de su proceso creativo, una fotografía de su estudio que abarca todo un muro, y la maqueta de Iris, una obra única realizada para ser colocada en el Distrito Telefónica con motivo del Centenario de la compañía. Las esculturas de Jaume Plensa responden ante la incertidumbre y el ruido del mundo que nos ha tocado vivir, representando una llamada de esperanza y positividad. Para ello, hace volver al interior de la persona, tras reflejarse en sus obras, proporcionando una seguridad que se encuentra en nosotros mismos.

En esos treinta años de trayectoria, el artista aborda una reflexión sobre la condición humana desde diferentes perspectivas. Trata un conjunto temas, muchas veces recurrentes, como la identidad, la fragilidad de la condición humana, lo efímero, la espiritualidad, el silencia, la comunicación o el lenguaje. Emplea, desde expresiones abstractas y conceptuales en sus primeras obras, a representaciones más figurativas y sensuales en sus trabajos más recientes. Constituyen por lo general obras de gran tamaño, que ocupan todo el espacio expositivo, donde a la variedad de los materiales empleados, se une la implicación del sonido y el colorido de la luz. Durante el recorrido de la muestra, las obras no dejan de seducir al espectador, a implicarte, por su volumetría y variedad de propuestas. Normalmente forman conjuntos, donde puedes transitar, introducirte en las coordenadas de las obras. 

No siempre ocurre, pero podríamos destacar, entre las obras expuestas, no una, sino la gran mayoría, por su interés y atractivo. Así, la serie escultórica, Silence, compuesta por siete rostros femeninos, situados en grandes vigas de madera, que evocan la diversidad y las similitudes de la identidad humana; espectacular es la instalación, Love Sounds, formada por cinco cabinas de alabastro con la puerta entreabierta dejando ver una silla vacía, en la que el artista anima a descubrir el sonido de tu cuerpo. Por otra parte, en sus icónicas esculturas femeninas, Maria y Rui Rui´s Words, apela a la contemplación y la introspección, para alcanzar la belleza y el mundo interior del ser humano. Una llamada similar a un silencio necesario, lo observamos en la serie, Who Are You? I-VIII, formada por ocho figurillas de bronce que se tapan los sentidos.

La obra, La Neige Rouge, nos transporta al futuro, donde una materia pesada como el hierro interactua con el espectador por medio de una intensa luz roja llena de energía que se extiende por su cuerpo al entrar en su espacio propio. Igualmente, se puede destacar otra obra que implica directamente la experiencia del visitante al atravesarla, es la llamada, Glückauf?, desplegada a modo de cortinas de letras que recrean la Declaración Universal de los Derechos Humanos de 1948. Toda una experiencia, en fin, intensa y memorable, que explica, debido a su originalidad estética y la profundidad de su mensaje, los merecidos premios recibidos por el artista a lo largo de su carrera, tanto a nivel nacional como internacional, exponiéndose su creatividad tanto en museos como en espacios públicos de todo el mundo.