La nueva web del Museo del Prado

Este mes de diciembre saltó la noticia. El Museo del Prado lanzaba una nueva página web más moderna y con mayores posibilidades de disfrutar y estudiar su extraordinaria colección. Tiene una apuesta decidida por lo visual al incorporar un zoom para analizar y observar cada obra de arte con mayor precisión. La página en sí es bastante sencilla: el nombre del museo, y una serie de pestañas para acceder a sus contenidos. Destaca, sin duda la más importante para conocer un museo, la relativa a la Colección. En ella te puedes aproximar a sus fondos de diversas maneras. Por obras maestras, por autores destacados o no,  y por temas. Igualmente puedes explorar la colección según las épocas históricas.

Mi Prado

Otra pestaña destacada si eres docente se denomina Aprende. Allí te encuentras la información para las visitas, de diverso tipo y nivel educativo; las actividades de la llamada Escuela del Prado; el acceso a su importante biblioteca , y el enlace con los recursos de la Asociación de Amigos. Otra novedad significativa se centra en la posibilidad de crear y comentar tus propios itinerarios por las obras de arte y compartirlos, entre otras acciones. Para ello debes entrar en la pestaña Mi Prado y registrarse, creándote un perfil. Se crea así una red social específica del museo.

el buscador semántico

Finalmente destacar la pestaña del Buscador, más potente y completo, de carácter semántico, es decir que la web participa adaptándose a las necesidades del usuario. Puedes encontrar imágenes relacionadas a la búsqueda de un cuadro, así como un abanico con categorías, temas, época, escuela, materia, soporte, etc. El sistema interconecta obras de arte de la misma temática. Aplica patrones y secuencias personales de razonamiento y de exploración, incluyendo un método de recomendación de contenido para profundizar la información demandada partiendo del etiquetado de las obras de la colección.

La pintura de Luis de Morales

La Virgen de la leche, 1560-1565, Museo del Prado

El Museo del Prado organiza una extraordinaria exposición dedicada al pintor, Luis de Morales, llamado el Divino, porque según escribió Antonio Palomino a comienzos del siglo XVIII, todo lo que pintó fueron cosas sagradas. Nació en 1510 o 1511 y murió probablemente en 1586. Aunque se desconoce su lugar de nacimiento, vivió y trabajó en Extremadura, donde fue el pintor más importante durante más de cincuenta años. Su producción se extendió a Portugal, a las ciudades próximas de Évora y Elvas y a otras regiones de España. 

Nacimiento de la Virgen, 1562-1567, Museo del Prado

La muestra reune obras desde la década de los cuarenta hasta el final de su trayectoria, constituyendo un conjunto de cincuenta y cuatro, agrupadas en cinco secciones: Iconos perdurables; En torno a la Virgen y el Niño; Narraciones complejas: los retablos; Imágenes de pasión y redención, y  San Juan de Ribera y la espiritualidad de la Contrarreforma. Fue un pintor de éxito que junto al taller tuvo mucha clientela privada y de la Iglesia. Trabajó para los oratorios de las casas y palacios, y para decorar los templos en forma de retablos. Expresó como nadie en su época la espiritualidad de la Contrarreforma católica.

San Juan de Ribera, 1566, Museo del Prado

Tiene un estilo muy original y reconocible. Su influencias se encuentran por una parte en la pintura italiana, los grandes maestros, Rafael, Leonardo da Vinci y Sebastiano del Piombo, por otra en maestros provenientes de Flandes, en estampas de Durero o en la escultura de Alonso de Berruguete. Emplea el paisaje o sitúa la figura sobre un fondo oscuro que resalta con fuertes contrastes de luces y sombras. Las figuras son un tanto estilizadas con una cuidada factura, un especial sfumato que aplica a las texturas y a los contornos. Las composiciones son sencillas en favor de la eficacia visual con una intensa carga emocional.

Ecce Homo, 1560-1570, Museo del Prado

La exposición arranca con La Virgen del pajarito, una obra monumental donde se observa la influencia italiana, como en La Virgen con el Niño y san Juanito, hoy en la Catedral de Salamanca. De esta misma iconografía, y asociada a la temática bíblica de la huida a Egipto, aparecen expuestas varias vírgenes ataviadas de gitanas, en el que aparecen cubiertas con un gorro circular. El artista siempre trabaja con el óleo sobre tabla de diferentes calidades, roble o nogal. Un capítulo especial de su iconografía está dedicada a la figura de Cristo, camino del Calvario llevando la cruz o como Ecce Homo. En las tablas provenientes de retablos se recogen otras escenas de la vida o de la Pasíón. La captación escultórica del cuerpo le emparenta con la obra de Alonso de Berruguete.

La Piedad, 1560, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando

Los dos únicos dibujos que se pueden atribuir a su mano los puede contemplar el visitante. En ellos el estilo peculiar del pintor se refleja en la manera de trazar las figuras con la tinta. Pocos pintores han sabido captar con tanto dramatismo el tema de la Piedad, de la cual se pueden observar magníficos ejemplos como la de Polán (Toledo) y la de la Academia de Bellas Artes de San Fernando en Madrid, que cierra el recorrido. Finalmente, para la comprensión de la obra pictórica de Morales se tiene que hacer referencia a la figura de san Juan de Ribera, que fue obispo de Badajoz entre 1562 y 1568, para quien trabajó como su pintor de cámara. Así realizó su retrato conservado en el Prado y obras tan significativas como el tríptico del Museo de Cádiz.

Encuentro con el Arte Antiguo

El pasado 20 de noviembre los alumnos de Historia del Arte visitaron las salas del Museo Arqueológico Nacional. Conocieron de primera mano obras de diferentes épocas y estilos. El recorrido se inició con las obras maestras del Arte Ibérico expuestas dentro de la Protohistoria. Luego entraron en contacto con las manifestaciones artísticas del periodo romano: escultura y mosaico. El museo expone numerosas piezas que adornaban villas y casas. Desde objetos cotidianos y monedas, hasta sarcófagos con relieves.

Era una buena oportunidad para volver a recordar las manifestaciones artísticas de los griegos, principalmente cerámica, y egipcios, sobre todo los sarcófagos, momias y pequeñas esculturas. Igualmente anticipar lo que vamos a estudiar en clase, el Arte Visigodo, Islámico y Mudéjar.

El cine dentro del cine

La película, YO, ÉL Y RAQUEL (Me and Earl and the Dying Girl), ha sido dirigida por el realizador tejano, Alfonso Gómez Rejón, asistente de González Iñárritu. Recibió dos merecidos premios en el Festival de Sundance: El Especial del Jurado y el del Público. Está basada en la novela del mismo título de Jesse Andrews que ha adaptado el guión. Sobresale por dos aspectos esenciales. Por una parte muestra de manera precisa el mundo de la adolescencia. El paso entre la vida en el instituto de secundaria y la universidad, que en EEUU supone la emancipación de la vida familiar.

La descripción de un instituto en la ciudad norteamericana de Pittsburgh con sus diferentes grupos de alumnos de distinta procedencia cultural y nivel social resulta uno de los mayores aciertos de la película que son muchos. El protagonista, Greg, en su último año en el centro trata de huir de cualquier conflicto llevándose bien con todo el mundo, haciéndose invisible a las distintas tribus. Sin embargo, se lleva especialmente bien con su amigo de la infancia, Earl, con el que comparte el tiempo libre, a pesar que es de origen humilde, mientras él pertenece a la clase media. Su padre es profesor de sociología aficionado al cine europeo, en concreto del director alemán Werner Herzog.

Por otra parte, la película es un homenaje al cine, por la afición de los protagonistas a realizar versiones caseras de las producciones que más admiran con títulos como The Seven Seals, Citizen Cane, Death in Tennis o 2:48 PM Cowboy, en plan parodia. De esta manera, aparecen las bandas sonoras de las películas originales y las versiones que ellos desarrollan. También el director introduce en determinados momentos imágenes con la técnica del stop motion. Configura con ello un estilo peculiar, de gran vigor narrativo, sobrio pero a la vez enriquecido por las alusiones a las grandes películas de la historia del séptimo arte, a la vez que crea unas imágenes muy originales asociadas al tono entre comedia y drama.

La historia de dos amigos de la infancia en el que uno de ellos deja de estudiar para ayudar a una compañera del instituto que le han diagnosticado leucemia para hacerle llevadera la enfermedad primero y luego los últimos días de vida, de ahí el título original,  favorece las cualidades humanas mostradas entorno a esta edad conflictiva, de descubrimientos y transiciones hacia la madurez todavía lejana. A esto se une la perspectiva cinéfila que le sirve de enriquecimiento visual y argumental a la película.

El primer proyecto en Imagen

Este año hemos comenzado la asignatura de Imagen y Sonido de 4º con un primer proyecto fotográfico llamado NOS CONOCEMOS, que pretende abordar la práctica del lenguaje fotográfico a través de la toma de imágenes fotográficas que tratan de captar diversos puntos de vista y planos con diferentes condiciones de luz. Los alumnos están organizados en grupos que les permitirá llevar a cabo el reto con mayor efectividad y concrección.

Una vez tomadas las fotografías, serán subidas a un archivo del Google Drive. En éste serán organizadas en forma de presentación, para ser mostradas a los compañeros del aula, que evaluarán los resultados junto al docente. A su vez, los propios miembros del grupo se autoevaluarán ellos mismos. Las distintas tareas son sencillas. Permitirán conocerles y conocerse, la actitud para el desarrollo de la práctica con la imagen. Por otra parte, será la segunda aproximación al Mobil Learning.

Instagram en el aula

Comenzamos el curso en la asignatura de Imagen de 4º de ESO estudiando la imagen fotográfica. Una de las primera prácticas realizadas ha sido con la aplicación INSTAGRAM, un red social centrada en ella con millones de usuarios, sobre todo entre los más jóvenes. Está asociada al empleo continuo del móvil inteligente, que cada vez más ha sido dotado de cámaras de mayor calidad. También de otras aplicaciones que permiten procesar los resultados y publicarles en esta red y en otras rápidamente. En esto ha consistido la actividad realizada. Para ello hemos dispuesto de una cuenta para el grupo, llamada IMAGEN4. 

De esta manera respondemos a varios objetivos. Emplear la tecnología de la comunicación en la práctica educativa y utilizar una metodología activa y cooperativa.

 

Una mirada sobre Zurbarán

Por estas fechas quedan sólo unos días para que la exposición, ZURBARÁN. UNA NUEVA MIRADA, cierre sus puertas. Está organizada por el Museo Thyssen de Madrid y comisariada conjuntamente por Odile Delenda, especialista en el artista y Mar Borobia, Jefe de Pintura Antigua del Museo. Constituye una excelente oportunidad de ver obras de este gran pintor español barroco nunca antes expuestas en España, algunas inéditas o recientemente recuperadas. También para disfrutar de toda su trayectoria que abarca desde sus primeros encargos hasta el periodo de madurez.

La muerte de san Pedro Nolasco, 1634

La exposición se divide en seis apartados: Los inicios. Primeros conjuntos; Los conjuntos. 1630-1640; Pinturas aisladas. 1628-1650; Francisco y Juan de Zurbarán. Bodegones; Obrador y seguidores; y La plena madurez. El legado del artista. 1650-1662. Francisco de Zurbarán fue un pintor contemporáneo de Velázquez de enorme éxito en su tiempo y de gran talento, que se formó en Sevilla, y que muy joven abrió un taller en Llerena, primera etapa de la que casi no se conservan obras. En 1629 se estableció con su familia y ayudantes en la ciudad bética, uno de los dos centros más importantes de la pintura de la época, junto con la corte, donde trabajaría en 1634 y en los últimos años antes de su muerte en 1664.

Santa Casilda, 1635

Referirse al éxito de la pintura de Zurbarán es destacar la enorme demanda de sus obras por la clientela más destacada de la época, la Corte, y sobre todo, la Iglesia. Las órdenes religiosas necesitaban decorar los numerosos conventos con las historias sagradas y la vida de los santos. La devoción privada necesitaba igualmente de imágenes para las casas y las capillas de los palacios. A ello se une la demanda de obras de arte de las colonias americanas. Esto se explica porque el artista estuvo socialmente bien relacionado con personalidades de los distintos ámbitos que le llevaron a una continua producción.

San Francisco en meditación, 1639

El artista extremeño supo, por otra parte, expresar mejor el sentimiento religioso y los postulados del Cocilio de Trento, que tenían en la pintura a uno de los medios de transmisión más eficaces. Con el tiempo recibió el sobrenombre de pintor de monjes, un título adecuado para Zurbarán, cuando su época más brillante se corresponde con la década entre 1630 y 1640, por la calidad y cantidad de trabajos, entre ellos para numerosos conventos e iglesias. Sería injusto verle exclusivamente desde esta perspectiva, porque también trató el tema mitológico, el histórico y el bodegón, del que es un consumado maestro. La exposición acierta a confrontarle con los realizados por Juan de Zurbarán, su hijo y colaborador.

Carnero con las patas atadas, 1632

De la misma manera, la muestra madrileña avanza en el conocimiento de Francisco de Zurbarán, al interesarse por su obrador o taller, que debía ser numeroso y excelentemente cualificado. Por este motivo se han reunido por primera vez algunas pinturas de los más estrechos colaboradores como Juan Luis Zambrano, los hermanos Polanco, Francisco y Miguel, el pintor de origen flamenco, Ignacio de Ries, el Maestro de Besançon y Bernabé de Ayala. Por otra parte, el visitante y el aficionado al arte a lo largo del recorrido, puede comprobar la calidad del estilo del artista. Sobrio y sencillo en la interpretación de los temas y personajes. Composiciones solemnes y tranquilas. Formas contundentes definidas por una intensa luz. Extraordinario tratamiento de los objetos, especialmente las telas. También de su transformación en las última etapa hacia una pincelada más suave y una luz menos directa.

Los 10 Picassos de Basilea

Arlequín sentado, 1923

Con motivo de las obras de ampliación del Kunstmuseum Basel se han organizado tres exposiciones de sus fondos repartidas entre el Museo Centro de Arte Reina Sofía y el Museo del Prado. Para el primero se han seleccionado unas cien obras maestras del siglo XX, divididas en dos muestras: Fuego blanco. La colección moderna, y Coleccionismo y Modernidad. Dos casos de estudio: Colecciones Im Obersteg y Rudolf Staechelin. El museo de Basilea está considerado como el primero de carácter municipal de la historia del arte, y ha forjado una colección que se encuentra entre las más destacadas en arte moderno y contemporáneo del mundo.

Los dos hermanos, 1906

El Kunstmuseum Basel sobresale por albergar una colección extraordinaria en cantidad y calidad de obras de Picasso, y además, fue uno de los primeros museos europeos en adquirir obras de este artista. Estas circunstancias han sido aprovechadas por el Museo del Prado para exponer las diez pinturas más destacadas que posee del mismo, ejemplos excepcionales de su evolución, desde el verano de 1906, el anterior a la creación del cubismo, hasta las del periodo final, de 1967. Conforman todas ellas una especie de pequeña exposición retrospectiva.

El aficionado, 1912

Entre ellas se encuentran, Los dos hermanos (1906) y el extraordinario Arlequín sentado (1923), que fueron adquiridas por el Gobierno de Basilea por el clamor popular cuando se conoció que la familia de Rodolf Staechelin, que los tenía en depósito, los pretendía vender en el extranjero. También, tres de las cuatro que el propio Picasso regaló a los ciudadanos de la ciudad suiza en 1967, cuando se enteró de gesto popular en favor de su pintura.

Muchachas a orillas del Sena, según Courbet, 1950

De esta manera, Picasso vuelve de nuevo al Museo del Prado, una institución de la que fue director honorario entre 1936 y 1939, para enfrentarse una vez más a los grandes artistas del Renacimiento y del Barroco, que cuelgan de la Galería Central, donde se expondrán sus magníficas diez obras.

El arte del dibujo en Vicente Carducho

La Biblioteca Nacional de España organiza la exposición, VICENTE CARDUCHO. TEORÍA Y PRÁCTICA DEL DIBUJO EN EL SIGLO DE ORO, que reúne un conjunto significativo de dibujos del pintor de origen italiano que abarca toda la trayectoria del artista, desde que llegó a España en tiempos de Felipe II siendo un niño junto a su hermano Bartolomé y Federico Zuccaro para trabajar en la decoración del monasterio de El Escorial, en cuyo ambiente se formó.  La muestra se divide en cinco pequeñas secciones que recorren su trayectoria y la aportación a la pintura española.

La primera de ellas se titula, Primeras obras: de El Escorial a Valladolid y abarca la etapa de formación y los primeros trabajos de su mano al servicio del nuevo rey, Felipe III. La segunda, Carducho, pintor del rey: la decoración del palacio de El Pardo, muestra los dibujos para la decoración de la bóveda de la capilla del Cuarto del Rey y para la Galería del Mediodía, de este palacio de la que se había hecho cargo Bartolomé, que falleció en este tiempo. 

Triunfo de la Eucaristía, 1607-1609

Un tercer apartado corresponde a los años más intensos de su carrera comprendido entre finales de la década de 1620 y su muerte en 1638. Se denomina, Vicente Carducho en Madrid, en el que el artista, simultanearía sus trabajos como pintor del rey con otros para distintas instituciones religiosas de la corte. De esta manera, trabajaría en las decoraciones del Alcázar y del palacio del Buen Retiro, por una parte, y por otra, en iglesias y conventos de patronato regio, y en aquellas obras encargadas por la clientela eclesiástica.

Aparición de san Bruno a Rogerio Guiscardo

El conjunto se completa con un cuarto apartado denominado, El ciclo cartujano de El Paular (1626-1632), obra cumbre de Carducho. Este contrato comprendía cincuenta y seis cuadros que representaban el origen de la orden y la historia de su santo fundador, además de una serie de lienzos de cartujos ilustres y escenas de persecuciones y martirios. Fue el ciclo monástico más importante de todo el Siglo de Oro y la culminación de la carrera del artista. Un trabajo laborioso que se iniciaba con los estudios en papel del conjunto o de figuras por separado, para luego pasar al modello, un óleo de tamaño reducido que debía ser aprobado por el prior. Finalmente, se acometía el cuadro definitivo con la colaboración del taller u obrador.

Vicente Carducho ha pasado a la Historia del Arte, no sólo por sus pinturas y el enorme legado de los dibujos, sino también por ser teórico de la pintura. Así, la quinta sección de la muestra, Nobleza y liberalidad del arte del dibujo, se dedica a la lucha del autor por elevar la consideración de este arte y en favor de la creación de una Academia Artística a imitación de las italianas. Sus ideas se plasmaron en diferentes escritos, de los que sobresalen, los Diálogos de la Pintura (1633), uno del los tratados artísticos más importantes del siglo XVII.

Rogier van der Weyden en España

El Descendimiento, 1443, Museo del Prado

Durante esta primavera que acaba de terminar, el Museo del Prado, ha organizado la exposición, Rogier van der Weyden y los reinos de la Península Ibérica. Una magnífica muestra dedicada al pintor de la ciudad de Bruselas que ha reunido el conjunto de sus obras maestras que nunca habían sido expuestas juntas. Igualmente, de aquellos que en España, tanto en pintura, como en escultura, recibieron su influencia directa de su obra o porque le conocieron.

Tríptico de Miraflores, 1445, Berlín

Roger van der Weyden fue un pintor muy famoso en su época a mediados del siglo XV, cuya obra decoró las cortes de los más importantes reyes. Fue coetáneo de otro de los genios de los llamados primitivos flamencos, Jan van Eyck. Trabajó para el duque de Borgoña, y desde esa época está presente en España. Primero cuando Juan II de Castilla donó un tríptico pintado por él a la cartuja de Miraflores en 1445, obra presente en la exposición. 

Madonna Durán, 1435-38, Museo del Prado

A esta pieza le siguieron, en la misma época, la llamada, Madonna Durán, y posteriormente, vinculadas al mecenazgo de los Austrias, el Descendimiento, comprada por María de Hungría, y llevado al Escorial por Felipe II, que adquirió, por mediación del pintor Antonio Moro, el Calvario, a la cartuja de Scheut. Una obra que fue pintada en los últimos años de su vida sin las ataduras de un encargo concreto y se muestra en la exposición en todo su esplendor después de una laboriosa restauración. Este magnífico grupo de obras se completa con el Tríptico de los Siete Sacramentos, encargada por Jean Chevrot, obispo de Tournai.

El Calvario, 1457-64, El Escorial

El estilo del artista flamenco aparece ante el espectador reuniendo un conjunto de características originales. Por una parte podía representar cualquier cosa con gran realismo a la vez que ignoraba la lógica entre el espacio y la escala, o desdibujaba la diferencia entre realidad y escultura. Por otra, era capaz de imitar el medio natural con toda fidelidad y crear formas en composiciones basadas en armonías geométricas, de impacto inmediato en quien las observa, completado con un manejo preciso del color.

El examen de selectividad de Historia del Arte 2015

En este espacio dedicado a la Historia del Arte, merece dedicar un comentario a la Prueba de Acceso a la Universidad de esta materia. De todos es conocido que presenta dos opciones con cuatro preguntas. Las más voloradas son la primera, el desarrollo de un tema con cuatro puntos, y el análisis y el comentario de una lámina, tres puntos. En esta edición, la correlación de estas dos preguntas ha sido la siguiente: en la opción A, el tema ha sido, La arquitectura en la Antigua Grecia y la lámina, el cuadro de Diego Velázquez, el Aguador de Sevilla; en la opción B, El Renacimiento en Italia, centrado en el Cinquecento, y la lámina, el Pórtico de la Gloria de la Catedral de Santiago de Compostela.

El aguador de Sevilla, Diego Velázquez

Las dos opciones tienen sus pros y sus contras. La primera pasa desde la época Antigua hasta la moderna, mientras la segunda, del Renacimiento al gótico. Hay una disparidad mayor cronológicamente en la primera opción. Los contenidos, además, son más específicos al referirles sólo a la arquitectura. El Renacimiento en Italia, aunque esté centrado en el Cinquecento, es un tema a desarrollar más general, al abarcar también escultura y pintura. Las dos láminas se refieren a la Historia del arte español. Las dos son muy conocidas, tal vez más el conjunto de escultura gótica, que la obra de juventud de Velázquez, pero le perjudica la mala calidad de la lámina.

El Pórtico de la Gloria, Santiago de Compostela

Desde el punto de vista de la evolución de los estilos, observamos un cierto equilibrio entre las dos opciones: Arte Clásico-Barroco; Arte Clásico(Renacimiento)-Gótico. Entre ellos más próximos los segundos. La disparidad resulta mayor en la opción B si tenemos en cuenta la cuarta pregunta al tener que mencionar cuatro monumentos del Antiguo Egipto, frente a la opción A, también muy llamativa, referida a cuatro monumentos hispano-musulmanes. Finalmente, en cuanto al vocabulario, las dos opciones tienen en común, que preguntan por dos autores y un estilo.

El centenario de Orson Welles

El pasado 6 de mayo se celebró el centenario de Orson Welles. Los medios de comunicación recordaron a un auténtico genio del cine, de la comunicación audiovisual. Su verdadera dimensión se entiende cuando pensamos que Ciudadano Kane, su ópera prima, en una de las mejores películas de la Historia del Cine. En él se conjugaba profundidad y belleza artística. Tales pretensiones encajaban mal con los intereses económicos de Hollywood. Tuvo que limitar su creatividad al tener dificultades de financiación. Sin independencia no había libertad para crear la película ideada por su genio.

Si recordamos una vez más a Ciudadano Kane, su legado resulta imperecedero en lo que se refiere al cine. La pretensión de criticar una sociedad materialista encarnada en un magnate de la prensa que no tiene tiempo nada más que de amasar una enorme fortuna, sin posibilidad de disfrutarla, se convierte en un misterio que explica la causa de la felicidad, que no son las antigüedades en forma de esculturas y pinturas compradas en lugares lejanos, sino los recuerdos de la infancia, aquel bienestar ingenuo materializado en un trineo llamado Rosebud.

Los movimientos de cámara, las angulaciones, la profundidad de campo, la selección de los escenarios, los contrastes de luces y de sombras configuran un estilo cinematográfico único. Se le ha denominado como el Shakespeare del cine, que alude además de su grandeza, a la fijación por el genial escritor británico, por quererle llevar al séptimo arte. Lo hizo tres veces, en Macbeth, Otelo y Campanadas a medianoche. Sin embargo, para cualquiera, son inolvidables, tres películas más, La dama de Shanghai, Sed de mal y El Proceso. 

Durante el mes de mayo el canal TCM, especializado en cine, homenajeó al director estadounidense con una exposición fotográfica inspirada en un universo visual, titulada, Bajo la influencia de Orson Welles. Reunió 20 obras de diez fotógrafos españoles, que reflejaron la riqueza del autor como referente artístico. Las fotografías iban acompañadas de citas. Una de ellas se refería a la cámara que hace buenas películas como un ojo en el corazón de un poeta. Y el cine entendido siempre como el descubrimiento de algo.

Restitución de obras de arte

La cultura vienesa de finales del siglo XIX y comienzos del siglo XX en música, literatura y arte alcanzó un nivel irrepetible. La anexión de Austria en 1938 por la Alemania Nazi acabó definitivamente con ella. La ideología racista que pretendía arrebatar los bienes y asesinar a los judíos se centró especialmente en aquellos miembros de esta comunidad que sobresalían como empresarios y protectores de las artes. La película, LA DAMA DE ORO (Woman in Gold), realizada por el director Simon Curtis, lleva a las pantallas el famoso caso por el que los descendientes de una familia judía recuperaron una valiosa colección del pintor Gustav Klimt, que había sido robada por los nazis, junto a otras riquezas.

Retrato de Adele Bloch-Bauer I/ Klimt

Entre los cinco cuadros de Klimt, el más valioso era el Retrato de Adele Bloch-Bauer I, denominado, La dama de oro tras la confiscación, que sería expuesto en la Galería Nacional de Austria. Nos cuenta la película, basándose en el libro que escribieron los protagonistas, María Altman (Helen Mirren) y el jóven abogado, Randy Shoenberg (Ryan Reynolds), las dificultades que tuvieron que pasar hasta lograr la restitución por parte del gobierno austriaco de las obras. En un principio, las pretensiones de devolución fueron rechazadas y el proceso judicial en Austria les exigía una fianza millonaria.

Tenían a su favor que el testamento de Adele, tía de la protagonista que murió en 1925, y retratada por Klimt, además de famosa mecenas de arte, estaba invalidado por otro que había firmado su tío, Ferdinand, en el que le dejaba todos los bienes a sus sobrinas, entre ellas, a María que había logrado escapar a EEUU de la persecución nazi. También la habilidad, a pesar de la inexperiencia, del joven abogado, descendiente del afamado músico, Arnold Schoenberg, también judío, que planteó el proceso en EEUU, llevando, por las consecuencias que podría tener, a un pacto de mediación al gobierno de Austria.

Éste en un principio llegó a rechazar un acuerdo, sin devolución de las obras de arte, de carácter económico con la idea que en suelo austriaco, iba a ganar. Sin embargo, posteriormente, los mediadores dieron la razón a María después de un brillante alegato de Randy, que colocaba al gobierno como responsable indirecto de las confiscaciones nazis. De esta manera era justa la devolución de las obras de Klimt por cuanto no se devolvían a un país extranjero, sino a otros austriacos, que habían tenido que huir o fueron asesinados.

La película, narra los hechos de la restitución, ocurrida hace unos años, y en flash back, se recuerdan aquellos sucedidos entorno a la familia y a la llegada de los alemanes. María consideró que no debía dejar los cuadros en Austria por sus responsabilidades y tenían que partir a su país de acogida donde fueron subastados. Así el magnate de la cosmética, Ronald Lauder, compró el famoso retrato de Adele por 135 millones de dólares con la condición que debía ser expuesto publicamente en la Neue Galerie, su museo de Nueva York. El dinero resultante fue a parar en parte para obras de todo tipo de la comunidad judía. María Altman murió en 2011 a los 94 años.

XI MARATÓN DE FOTOGRAFÍA MATEMÁTICA

El pasado 29 de abril se celebró el XI Maratón de Fotografía Matemática en el parque del Retiro de Madrid. Durante toda la mañana los alumnos de Leganés, organizados en grupos de diez representando a cada uno de los centros de educación secundaria, concursaron para tomar la mejor fotografía de contenido matemático. Al final tuvieron que entregar las cinco mejores clasificadas en otras tantas categorías: Agua, Detalle, Planta, Estructura y Libre.

El IES. Pedro Duque estuvo representado por diez alumnos de Comunicación Audiovisual. Fue una magnífica oportunidad para aprender de diferente manera las matemáticas. Se dieron cuenta que la realidad cotidiana se puede ver según una organización geométrica que se encuentra a la vez en nuestra mente y en la propia  naturaleza. Por otra parte, comprobaron la capacidad expresiva de la imagen fotográfica. La capacidad de conocimiento y de comunicación del alumno puede incrementarse si dispone de una máquina como una cámara. 

El resultado será un conjunto de imágenes que reunan por un lado, la mejor expresión del concepto matemático, y por otro, la calidad técnica en la composición y en el empleo de la luz. Las fotos seleccionadas y a las que se les concedan los galardones a las mejores fotografías se expondrán en cada uno de los centros de enseñanza de la localidad.