La pintura de Juan Uslé

 

El Museo Reina Sofía presenta la exposición, JUAN USLÉ. ESE BARCO EN LA MONTAÑA, una exhibición antológica de su obra a través de cuarenta años de carrera, la segunda en esta institución después de veinte años. El recorrido, de carácter cronológico, se inicia con la pintura, 1960, en alusión al buque Elorrio, un carguero cargado de grano procedente de Baltimore que naufragó enfrente de las costas donde se haya su casa familiar en Cantabria. Un recuerdo de la infancia llevado a la pintura en 1986, con un estilo expresionista de tonos oscuros. Al año siguiente, el artista y su pareja, se instalan en Nueva York, en una residencia próxima al puente de Williamsburg. Nos sirve para indicar la fuente de inspiración del artista, sus propias ensoñaciones, matizadas por sus recuerdos; el entorno cotidiano, visto desde una mirada personal, original. De esta forma, Uslé combina la consciencia y el subconsciente, para expresarse con un lenguaje artístico abstracto.

El estilo de Uslé, a lo largo del tiempo, tras el expresionismo de los primeros años considerados, se va haciendo más reconocible, uniforme, madura, desde la vivencias personales, de los procesos psicológicos que generan. La abstracción se convierte en la mejor manera de expresar las pulsiones internas del artista. Ante el visitante, se van sucediendo sus distintas series o familias de obras: entorno al concepto Nemasté; el peso de la ciudad de Nueva York; las composiciones verticales, los pequeños y grandes formatos con cuadrículas, marcadas con un ritmo de repetición; la participación en la documenta IX; la serie Célibataires; y el gran conjunto, Soñé que revelabas (SQR), que ha terminado por imponerse en su estilo, marcado por un resumen de gestos que han caracterizado la pintura del autor en las cuatro décadas, entre los que sobresale un ritmo peculiar de la pincelada, entrecortada, que se ha dicho proveniente de su latido, de su pulso. 

La exposición demuestra la importancia de la fotografía en la práctica pictórica como fuente de inspiración. Lo vemos en la obra, Línea Dolca (2008-2018), un conjunto de imágenes tomadas en una década, asociadas al empleo de la fotografía digital, que muestran la manera en la que funciona la mirada de Uslé. Una mirada que localiza fragmentos en el mundo cotidiano, raíles de tren, arquitecturas, cielos, que luego traslada al lienzo.

Juan Muñoz en el Museo del Prado

El Museo del Prado presenta la exposición, JUAN MUÑOZ. HISTORIAS DEL ARTE, que reúne un grupo de instalaciones, esculturas, dibujos, grabados, gabinetes con pequeñas figuras y libros personales, sobre este artista madrileño que tuvo al museo como un lugar de visita regular e inspiración constante. Comisariada por Vicente Todolí, se despliega en dos salas de la ampliación de los Jerónimos, y en otras dos de la colección permanente y en las escaleras de la entrada de Murillo, así como del exterior. Una celebración para este escultor contemporáneo inspirado por la pintura y admirador de los grandes maestros, de la historia del arte de la que dijo robaba todo lo que podía. Especialmente, se fijó en el Manierismo y el Barroco, de su pintura, escultura y arquitectura. De uno, tomó la distorsión de las figuras, de otro, su teatralidad. Crea, así, un espacio ficticio donde involucra y envuelve al espectador. Un visitante que a través de las salas y subespacios de la muestra encuentra figuras enigmáticas a escala humana en escenarios íntimos o deambulando en grupos. Tienen, a veces, la boca entreabierta o sonriendo; son unos auténticos avatares que evocan la escultura griega que dialogan, como se ha dicho, con textos absurdos y existencialistas de Borges y Becket.

Juan Muños incorpora suelos ópticos evocando los de Borromini, pero también estructuras minimalistas de Carl André. Utiliza la arquitectura como parte integral de su obra para crear entornos dramáticos que envuelven al espectador. Así lo observamos en obras como The Prompter o The Nature of Visual Illusion. Las referencias a Velázquez y Goya son constantes en su obra. Del primero toma repetidamente la figura del enano, personaje de diversión en la corte de los Austrias, que los vemos interactuando con estructuras, una mesa de billar o unas barras paralelas, como si se dispusiese a moverse, como lo hace en Las Meninas. También el empleo de espejos, uno de los elementos de la ilusión barroca más significativos. Del segundo evoca las escenas de absurdo de los Caprichos o los Disparates. Además el motivo de los balcones repletos de personajes que miran o el no menos llamativo de esculturas ensacadas, relacionadas con las tituladas, Conversation Pieces, también influenciadas por Giacometti, pero que casan muy bien cuando son expuestas frente al frenesí de figuras de los cuadros de Rubens.

Las esculturas individuales inquietan al espectador en su más variadas poses. Algunas tienen la nariz plana, otras las encontramos colgadas por los pies o la cabeza, que llaman especialmente la atención al encontrarse colgadas en los descansillos de una escalera. La escala humana refuerza la ilusión ficticia sobre el visitante que se siente involucrado dramáticamente. Una vitrina de la exposición nos informa a través de libros de su biblioteca del estudio concienzudo de la historia, el arte y la estética, que le permitirían a mostrar su propia creatividad. Finalmente, una sala reúne sus dibujos y pequeñas vitrinas de esculturas que nos evocan las gabinetes de maravillas del Renacimiento.

La representación femenina indígena en el ámbito social

 

El Museo Arqueológico Nacional presenta la exposición, LA MITAD DEL MUNDO, LA MUJER EN EL MÉXICO INDÍGENA. EL ÁMBITO HUMAN O, una parte del proyecto expositivo desarrollado en varias instituciones culturales madrileñas en colaboración con el Gobierno de México que declaró 2025, Año de la Mujer Indígena. En este caso reúne más de 200 piezas arqueológicas y etnográficas que ilustran a sus protagonistas en el contexto social de los pueblos originarios hasta su pervivencia actual. El visitante se encuentra con un conjunto de obras escultóricas de diversos materiales, relieves, cerámicas, textiles, joyas y pinturas, procedentes de los numerosos pueblos que habitaron desde tiempos inmemorables el territorio, y todavía pervive, de alguna manera, su legado. El recorrido se estructura en dos ejes: la Vida cotidiana y Linaje y poder. En México, el pasado nunca ha dejado de estar presente, y la mujer se ha encargado en diversas formas, de mantenerlo siempre presente.

La vida se entiende, para el pensamiento indígena como un ciclo, y el mundo, como un lugar hecho de dualidades estrechamente vinculadas. Lo femenino y lo masculino están en la base de ese proceso, uno asociado a la creación, la muerte, la fertilidad y la renovación, otro, al movimiento, y la fuerza. El lugar principal de la mujer para sus labores desde tiempos ancestrales, fue el espacio doméstico. Está asociado con la función reproductora de su propio cuerpo, es decir, desde su interior hasta el físico donde habita su familia. La mujer a lo largo de su vida tiene asociadas unas actividades propias: la de ser educada o educar a las niñas en las costumbres antiguas y las labores propias; la de cuidar a las personas mayores; la de llevar la economía doméstica, ser hiladoras, tejedoras, alfareras, parteras, y sanadoras. Los objetos conservados y las pequeñas esculturas nos informan de las ceremonias tras el nacimiento; las costumbres de paso entre la niñez y la adultez; el cuidado de los bebés; los ritos nupciales; la libertad de las personas ancianas, transmisoras de los saberes.

En principio, podía pensarse que las mujeres indígenas estuvieron excluidas de los ámbitos políticos y guerreros, pero no fue así, pues hubo espacios donde participaron activamente. Fueron sobre todo, mujeres de la élites que tuvieron un papel en la acción política, en las negociaciones y alianzas matrimoniales, la transmisión del linaje y la práctica ritual. Hubo mujeres mayas y mixtecas que gobernaron por derecho propio. Algunas también ejercieron actividades masculinas como la escritura, la música, el juego de la pelota y la guerra. Lo demuestran numerosas esculturillas y relieves de diverso tipo. Ellas ejercieron su poder al dirigir los rituales entre lo humano y lo divino; en negociaciones matrimoniales de implicación política. Sus atributos y distintivos conservados nos muestran hasta donde llegaron. Se puede observar su papel en la transmisión de los linajes nobles. La relevancia de personajes como Malinche en la conquista, y luego en el virreinato, el papel de las indias cacicas como Doña Juana María Cortés y Chimalpopoca cuyo retrato pintado junto a su escudo, nos informan de su estatus.

Picasso y Klee en la colección Berggruen

El Museo Thyssen presenta la exposición, PICASSO Y KLEE EN LA COLECCIÓN HEINZ BERGGRUEN. Obras del Museo Berggruen, Neue Nationalgalerie de Berlin, que reúne cincuenta obras maestras de estos genios del arte, los preferidos del coleccionista y marchante de ese nombre, y de quien, el barón Hans Henrich Thyssen-Bornemisza, era cliente. Juntos compartían una afición desmedida por el arte, y en concreto, pretendían en el futuro crear un museo para que las obras que amasaron con el tiempo, pudieran ser disfrutadas por el público. Esos deseos fueron cumplidos en ambos casos. Sus colecciones dieron lugar a museos públicos. A los dos, los vemos juntos en una fotografía realizada por Helmut Newton en 1988 de una desenfadada charla. Por otro lado, subrayar, el alto nivel de las obras expuestas, tan extraordinarias como las de sus autores, que a pesar de sus personalidades diferentes, uno sensual y mediterráneo, otro, nórdico, intelectual e introspectivo, les unía un mismo espíritu de experimentación, ciertos repertorios temáticos, y una análoga estrategia reductora y deformadora que los llevó a dislocar las formas y los cuerpos. 

Tanto Picasso como Klee concibieron el arte como arma de transgresión, que les llevaría a destruir la realidad a través del lenguaje plástico. Surgió a partir de ellos, una nueva forma de mirar y de acercarse al hombre contemporáneo. La presente exposición se divide en cuatro apartados con los temas y géneros que les interesaron: Retratos y máscaras; Lugares; Cosas; y, Arlequines y desnudos. De entrada, el primero de ellos deslumbra por la calidad de las obras. El Museo Thyssen complementa el conjunto con obras contemporáneas, como de arte medieval. El retrato de Dora Maar de Picasso sobresale en el conjunto. Los paisajes desempeñaron en ambos genios de la pintura, un papel relevante. El artista español los descompuso geométricamente desde la perspectiva cubista. Klee pretendía descifrar el funcionamiento y la estructura interna de la naturaleza, al imitar los procesos de crecimiento orgánico. Las naturalezas muertas, los objetos de la vida cotidiana, fueron también objeto de investigación con finalidad de comprender la esencia y las verdades profundas de ellos.

El conjunto de obras de Picasso destacan en el último apartado de la exposición, por su número y calidad, desde la época rosa hasta su último periodo. El cuerpo es un pretexto infinito de experimentación plástica. Un cuerpo desnudo visto desde la fragmentación cubista o desde la estilización clásica. También, convertido en la figura de arlequín, que proporciona un modelo mutable, entre la máscara y la realidad. Dialogan entre sí las más variadas técnicas, óleos y dibujos, según distintos procedimientos, que sin embargo, no se apartan de un trabajo continuo de mostrar la figura humana.

El cuadro más caro de arte contemporáneo

 

El pasado 18 de noviembre se ha vendido el cuadro más caro jamás vendido en subasta de arte moderno por un precio de 236,4 millones de dólares. Representa el retrato de Elisabeth Lederer, hija de los coleccionistas vieneses August y Serena Lederer, que fueron los que encargaron la pintura a Gustav Klimt, un pintor simbolista, miembro del movimiento de la Secession vienesa. Se trata de una obra excepcional en la trayectoria del pintor, que la creó durante casi tres años, y la sometió a sucesivas revisiones entre 1914 y 1916. Pertenecía al recién fallecido, Leonard Lauder, rey de los cosméticos, cuya rica colección se ha vendido esta semana en la Sala Sotheby´s por una cifra resultante que se aproxima a los mil millones, por lo que el retrato de Klimt, era la pieza más valiosa. Una obra que compró en los años ochenta al marchante Serge Sabarsky, y que había logrado sobrevivir al expolio nazi durante la Segunda Guerra Mundial. Sustituye, así, a la que hasta ahora ostentaba la marca,  Les Femmes d´Argel (Versión 0), de Pablo Picasso, que había sido vendida en 179,4 millones de dólares. 

El legado de Henri Matisse

CaixaForum de Madrid presenta la exposición, CHEZ MATISSE. EL LEGADO DE UNA NUEVA PINTURA, que reúne 46 pinturas del propio Matisse y 49 obras de otros artistas, todo un atractivo para el visitante que admira el arte contemporáneo, pues la muestra parte de la idea del carácter revolucionario del genio francés en cuanto al color, y en quienes se vieron influenciados, y a la vez acogidos en su propia obra, a la manera de una auténtica casa del arte moderno, frecuentada por artistas de diferentes generaciones y estilos. A lo largo de cincuenta años, atrajo al público y a los profesionales del medio, que lo consideraron un compañero de investigaciones plásticas. De esta manera lo observamos en una trayectoria dividida en ocho apartados, que despliegan su obra y su repercusión en otros artistas del siglo XX y XXI. La exposición presenta ejemplos de peso en todos los apartados, sobre todo en los iniciales. Tal vez se hace pequeña al intentar recorrer tantos años de su trayectoria.

Su primer apartado, Línea y color (1900-1906), muestra sus primeras experiencias con la pintura. Su maestro fue Gustave Moreau, pero nada más alejado de su estilo, si nos fijamos en la obra, Lujo, calma y voluptuosidad (1904), bajo la impronta del Postimpresionismo, en concreto del Divisionismo. En este periodo sería la cabeza visible del primer movimiento de vanguardia del nuevo siglo, el Fauvismo, según el crítico que comparó la forma de emplear el color de un grupo de pintores con auténticas fieras. Un grupo formado por artistas como André Derain, Albert Marquet, Marice de Vlaminck, Georges Bracque, Robert y Sonia Delaunay. En el segundo apartado, Primitivismo y la emoción (1907-1913), realiza una investigación plástica influenciado por el descubrimiento de las artes no occidentales. También, Matisse conecta con el expresionismo alemán, en tanto que el arte tiene un fundamento emocional, y con la vanguardia rusa, atraídos por el arte primitivo. El tercer apartado, Provocar apariciones (1914-1917), coincide con la Primera Guerra Mundial, cuando el artista parece apartarse desde un mundo inquietante, mirado desde la privacidad de su estudio al emplear motivos como la ventana y la puerta. Los retratos de esta época parecen tener un halo fantasmal.

En el cuarto apartado, Abstraerse (1917-1917, se trata de la influencia de otro movimiento de vanguardia, el Cubismo, en el propio Matisse, como de éste, sobre otros artistas como Frantisek Kupka, que evolucionarán hacia la no figuración geométrica. Un quinto apartado, nos parece el más optimista, por su color brillante, influenciado por la luz y los tipos entorno al Mediterráneo. Se denomina, Nuestro corazón mira hacia el sur (1917-1929), en la que se ve la huella de su residencia en Niza, y los viajes a España y al Magreb. Las pinturas de Kees van Dongen, Albert Marquet y Natalia Goncharova, emplean sus mismas soluciones plásticas. Igual de atractivo es el apartado, Modernidades clásicas. Matisse y su diálogo con Bonnard, Gilot y Picasso (1930-1938). Parte de la experimentación del maestro en la simplificación del dibujo y su despliegue en el espacio, y la incidencia en la pintura del genio malagueño, a pesar de considerarse en las antípodas, si bien con mayor incidencia en su pareja. En 1936, tras sufrir un bloqueo creativo, volverá a Cézanne y Bonnard. 

Desde finales de la década, entramos en el séptimo apartado, Días de color. Pintura y película a partir de 1939, donde Matisse emplea papeles pintados en guache para portadas de revistas. En 1947, utiliza esta técnica en el libro Jazz. En 1951 colabora con Le Corbusier en la Capilla del Rosario de Vence. El pintor abstracto norteamericano, Barnett Newman lo tiene como referencia, lo mismo que la artista argelina Baya. La película, Penélope, de los franceses Raymon Hain y Jacques Villeglé, pone a Matisse en movimiento. En el último apartado, Chez Matisse. Horizontes múltiples (1961-1970), vemos su influencia tanto de su técnicas, como el collage, como sus tratamientos, en los estilos más recientes, tanto en pintura, como el vídeo y el cine, sin duda, el apartado más flojo de la exposición.

La representación femenina en la cosmovisión indígena

 

La Fundación Casa de México en España presenta la exposición, LA MITAD DEL MUNDO. LA MUJER EN EL MÉXICO INDÍGENA. EL ÁMBITO DIVINO, que reúne 98 piezas de escultura y cerámica, además de textiles, cestería, y óleos, provenientes de culturas antiguas como la mexica, maya, olmeca, huasteca, teotihuacana, entre otras, con motivo del año de la mujer indígena. Una primera muestra de tres dedicadas al principio femenino que se realizarán en la capital española. También, parten del conocimiento de las numerosas culturas precolombinas que existieron desde hace treinta siglos. Hoy México es un país de una enorme diversidad cultural, pues, además de la población mestiza, en su territorio conviven afrodescendientes, y 74 pueblos originarios herederos de tradiciones milenarias, que hablan, 68 lenguas propias. Así, las mujeres indígenas juegan un papel fundamental para su continuidad y resistencia ante los cambios del presente.

La exposición presenta tres líneas temáticas: Las dos partes del mundo; La ostentación del cuerpo; y La sacralidad femenina. El México prehispánico concebía el mundo y el Universo a partir de principios duales e interrelacionados, entre los que sobresale, lo masculino y lo femenino. Así, lo femenino, se relacionaba con la fertilidad, el origen de la vida como su final, la muerte; igualmente, con la naturaleza, la madre Tierra, imprescindible para subsistir; también,  con los ciclos lunares, que marcan los procesos temporales. El sol, en cambio, se representa como hombre. Por otra parte, las esculturas y cerámicas del cuerpo femenino resaltan su anatomía, en cuanto atributos simbólicos de la fecundidad, la nutrición y la regeneración, destacando su cualidad como espacio de origen, transformación, muerte y continuidad cíclica, así como metáfora de la Tierra como madre y matriz. 

La exposición no se centra solo en los pueblos antiguos, sino también, en piezas del siglo XXI, que muestran la pervivencia de las concepciones indígenas tradicionales. Finalmente, la última línea temática de la misma, se refiere a las deidades femeninas, a la vez creadoras y destructoras, ligadas a la sexualidad y la purificación, los partos y la muerte. Son poderosas y ambivalentes, capaces de cambiar de género o tener atributos mixtos, según el contexto ritual o simbólico. Después de la influencia de la religión cristiana de los colonizadores, fueron reasignadas en advocaciones de la Virgen, con poder sobre la vida y la muerte.