Encuentro con el Arte Antiguo

El pasado 20 de noviembre los alumnos de Historia del Arte visitaron las salas del Museo Arqueológico Nacional. Conocieron de primera mano obras de diferentes épocas y estilos. El recorrido se inició con las obras maestras del Arte Ibérico expuestas dentro de la Protohistoria. Luego entraron en contacto con las manifestaciones artísticas del periodo romano: escultura y mosaico. El museo expone numerosas piezas que adornaban villas y casas. Desde objetos cotidianos y monedas, hasta sarcófagos con relieves.

Era una buena oportunidad para volver a recordar las manifestaciones artísticas de los griegos, principalmente cerámica, y egipcios, sobre todo los sarcófagos, momias y pequeñas esculturas. Igualmente anticipar lo que vamos a estudiar en clase, el Arte Visigodo, Islámico y Mudéjar.

El cine dentro del cine

La película, YO, ÉL Y RAQUEL (Me and Earl and the Dying Girl), ha sido dirigida por el realizador tejano, Alfonso Gómez Rejón, asistente de González Iñárritu. Recibió dos merecidos premios en el Festival de Sundance: El Especial del Jurado y el del Público. Está basada en la novela del mismo título de Jesse Andrews que ha adaptado el guión. Sobresale por dos aspectos esenciales. Por una parte muestra de manera precisa el mundo de la adolescencia. El paso entre la vida en el instituto de secundaria y la universidad, que en EEUU supone la emancipación de la vida familiar.

La descripción de un instituto en la ciudad norteamericana de Pittsburgh con sus diferentes grupos de alumnos de distinta procedencia cultural y nivel social resulta uno de los mayores aciertos de la película que son muchos. El protagonista, Greg, en su último año en el centro trata de huir de cualquier conflicto llevándose bien con todo el mundo, haciéndose invisible a las distintas tribus. Sin embargo, se lleva especialmente bien con su amigo de la infancia, Earl, con el que comparte el tiempo libre, a pesar que es de origen humilde, mientras él pertenece a la clase media. Su padre es profesor de sociología aficionado al cine europeo, en concreto del director alemán Werner Herzog.

Por otra parte, la película es un homenaje al cine, por la afición de los protagonistas a realizar versiones caseras de las producciones que más admiran con títulos como The Seven Seals, Citizen Cane, Death in Tennis o 2:48 PM Cowboy, en plan parodia. De esta manera, aparecen las bandas sonoras de las películas originales y las versiones que ellos desarrollan. También el director introduce en determinados momentos imágenes con la técnica del stop motion. Configura con ello un estilo peculiar, de gran vigor narrativo, sobrio pero a la vez enriquecido por las alusiones a las grandes películas de la historia del séptimo arte, a la vez que crea unas imágenes muy originales asociadas al tono entre comedia y drama.

La historia de dos amigos de la infancia en el que uno de ellos deja de estudiar para ayudar a una compañera del instituto que le han diagnosticado leucemia para hacerle llevadera la enfermedad primero y luego los últimos días de vida, de ahí el título original,  favorece las cualidades humanas mostradas entorno a esta edad conflictiva, de descubrimientos y transiciones hacia la madurez todavía lejana. A esto se une la perspectiva cinéfila que le sirve de enriquecimiento visual y argumental a la película.

El primer proyecto en Imagen

Este año hemos comenzado la asignatura de Imagen y Sonido de 4º con un primer proyecto fotográfico llamado NOS CONOCEMOS, que pretende abordar la práctica del lenguaje fotográfico a través de la toma de imágenes fotográficas que tratan de captar diversos puntos de vista y planos con diferentes condiciones de luz. Los alumnos están organizados en grupos que les permitirá llevar a cabo el reto con mayor efectividad y concrección.

Una vez tomadas las fotografías, serán subidas a un archivo del Google Drive. En éste serán organizadas en forma de presentación, para ser mostradas a los compañeros del aula, que evaluarán los resultados junto al docente. A su vez, los propios miembros del grupo se autoevaluarán ellos mismos. Las distintas tareas son sencillas. Permitirán conocerles y conocerse, la actitud para el desarrollo de la práctica con la imagen. Por otra parte, será la segunda aproximación al Mobil Learning.

Instagram en el aula

Comenzamos el curso en la asignatura de Imagen de 4º de ESO estudiando la imagen fotográfica. Una de las primera prácticas realizadas ha sido con la aplicación INSTAGRAM, un red social centrada en ella con millones de usuarios, sobre todo entre los más jóvenes. Está asociada al empleo continuo del móvil inteligente, que cada vez más ha sido dotado de cámaras de mayor calidad. También de otras aplicaciones que permiten procesar los resultados y publicarles en esta red y en otras rápidamente. En esto ha consistido la actividad realizada. Para ello hemos dispuesto de una cuenta para el grupo, llamada IMAGEN4. 

De esta manera respondemos a varios objetivos. Emplear la tecnología de la comunicación en la práctica educativa y utilizar una metodología activa y cooperativa.

 

Una mirada sobre Zurbarán

Por estas fechas quedan sólo unos días para que la exposición, ZURBARÁN. UNA NUEVA MIRADA, cierre sus puertas. Está organizada por el Museo Thyssen de Madrid y comisariada conjuntamente por Odile Delenda, especialista en el artista y Mar Borobia, Jefe de Pintura Antigua del Museo. Constituye una excelente oportunidad de ver obras de este gran pintor español barroco nunca antes expuestas en España, algunas inéditas o recientemente recuperadas. También para disfrutar de toda su trayectoria que abarca desde sus primeros encargos hasta el periodo de madurez.

La muerte de san Pedro Nolasco, 1634

La exposición se divide en seis apartados: Los inicios. Primeros conjuntos; Los conjuntos. 1630-1640; Pinturas aisladas. 1628-1650; Francisco y Juan de Zurbarán. Bodegones; Obrador y seguidores; y La plena madurez. El legado del artista. 1650-1662. Francisco de Zurbarán fue un pintor contemporáneo de Velázquez de enorme éxito en su tiempo y de gran talento, que se formó en Sevilla, y que muy joven abrió un taller en Llerena, primera etapa de la que casi no se conservan obras. En 1629 se estableció con su familia y ayudantes en la ciudad bética, uno de los dos centros más importantes de la pintura de la época, junto con la corte, donde trabajaría en 1634 y en los últimos años antes de su muerte en 1664.

Santa Casilda, 1635

Referirse al éxito de la pintura de Zurbarán es destacar la enorme demanda de sus obras por la clientela más destacada de la época, la Corte, y sobre todo, la Iglesia. Las órdenes religiosas necesitaban decorar los numerosos conventos con las historias sagradas y la vida de los santos. La devoción privada necesitaba igualmente de imágenes para las casas y las capillas de los palacios. A ello se une la demanda de obras de arte de las colonias americanas. Esto se explica porque el artista estuvo socialmente bien relacionado con personalidades de los distintos ámbitos que le llevaron a una continua producción.

San Francisco en meditación, 1639

El artista extremeño supo, por otra parte, expresar mejor el sentimiento religioso y los postulados del Cocilio de Trento, que tenían en la pintura a uno de los medios de transmisión más eficaces. Con el tiempo recibió el sobrenombre de pintor de monjes, un título adecuado para Zurbarán, cuando su época más brillante se corresponde con la década entre 1630 y 1640, por la calidad y cantidad de trabajos, entre ellos para numerosos conventos e iglesias. Sería injusto verle exclusivamente desde esta perspectiva, porque también trató el tema mitológico, el histórico y el bodegón, del que es un consumado maestro. La exposición acierta a confrontarle con los realizados por Juan de Zurbarán, su hijo y colaborador.

Carnero con las patas atadas, 1632

De la misma manera, la muestra madrileña avanza en el conocimiento de Francisco de Zurbarán, al interesarse por su obrador o taller, que debía ser numeroso y excelentemente cualificado. Por este motivo se han reunido por primera vez algunas pinturas de los más estrechos colaboradores como Juan Luis Zambrano, los hermanos Polanco, Francisco y Miguel, el pintor de origen flamenco, Ignacio de Ries, el Maestro de Besançon y Bernabé de Ayala. Por otra parte, el visitante y el aficionado al arte a lo largo del recorrido, puede comprobar la calidad del estilo del artista. Sobrio y sencillo en la interpretación de los temas y personajes. Composiciones solemnes y tranquilas. Formas contundentes definidas por una intensa luz. Extraordinario tratamiento de los objetos, especialmente las telas. También de su transformación en las última etapa hacia una pincelada más suave y una luz menos directa.

Los 10 Picassos de Basilea

Arlequín sentado, 1923

Con motivo de las obras de ampliación del Kunstmuseum Basel se han organizado tres exposiciones de sus fondos repartidas entre el Museo Centro de Arte Reina Sofía y el Museo del Prado. Para el primero se han seleccionado unas cien obras maestras del siglo XX, divididas en dos muestras: Fuego blanco. La colección moderna, y Coleccionismo y Modernidad. Dos casos de estudio: Colecciones Im Obersteg y Rudolf Staechelin. El museo de Basilea está considerado como el primero de carácter municipal de la historia del arte, y ha forjado una colección que se encuentra entre las más destacadas en arte moderno y contemporáneo del mundo.

Los dos hermanos, 1906

El Kunstmuseum Basel sobresale por albergar una colección extraordinaria en cantidad y calidad de obras de Picasso, y además, fue uno de los primeros museos europeos en adquirir obras de este artista. Estas circunstancias han sido aprovechadas por el Museo del Prado para exponer las diez pinturas más destacadas que posee del mismo, ejemplos excepcionales de su evolución, desde el verano de 1906, el anterior a la creación del cubismo, hasta las del periodo final, de 1967. Conforman todas ellas una especie de pequeña exposición retrospectiva.

El aficionado, 1912

Entre ellas se encuentran, Los dos hermanos (1906) y el extraordinario Arlequín sentado (1923), que fueron adquiridas por el Gobierno de Basilea por el clamor popular cuando se conoció que la familia de Rodolf Staechelin, que los tenía en depósito, los pretendía vender en el extranjero. También, tres de las cuatro que el propio Picasso regaló a los ciudadanos de la ciudad suiza en 1967, cuando se enteró de gesto popular en favor de su pintura.

Muchachas a orillas del Sena, según Courbet, 1950

De esta manera, Picasso vuelve de nuevo al Museo del Prado, una institución de la que fue director honorario entre 1936 y 1939, para enfrentarse una vez más a los grandes artistas del Renacimiento y del Barroco, que cuelgan de la Galería Central, donde se expondrán sus magníficas diez obras.

El arte del dibujo en Vicente Carducho

La Biblioteca Nacional de España organiza la exposición, VICENTE CARDUCHO. TEORÍA Y PRÁCTICA DEL DIBUJO EN EL SIGLO DE ORO, que reúne un conjunto significativo de dibujos del pintor de origen italiano que abarca toda la trayectoria del artista, desde que llegó a España en tiempos de Felipe II siendo un niño junto a su hermano Bartolomé y Federico Zuccaro para trabajar en la decoración del monasterio de El Escorial, en cuyo ambiente se formó.  La muestra se divide en cinco pequeñas secciones que recorren su trayectoria y la aportación a la pintura española.

La primera de ellas se titula, Primeras obras: de El Escorial a Valladolid y abarca la etapa de formación y los primeros trabajos de su mano al servicio del nuevo rey, Felipe III. La segunda, Carducho, pintor del rey: la decoración del palacio de El Pardo, muestra los dibujos para la decoración de la bóveda de la capilla del Cuarto del Rey y para la Galería del Mediodía, de este palacio de la que se había hecho cargo Bartolomé, que falleció en este tiempo. 

Triunfo de la Eucaristía, 1607-1609

Un tercer apartado corresponde a los años más intensos de su carrera comprendido entre finales de la década de 1620 y su muerte en 1638. Se denomina, Vicente Carducho en Madrid, en el que el artista, simultanearía sus trabajos como pintor del rey con otros para distintas instituciones religiosas de la corte. De esta manera, trabajaría en las decoraciones del Alcázar y del palacio del Buen Retiro, por una parte, y por otra, en iglesias y conventos de patronato regio, y en aquellas obras encargadas por la clientela eclesiástica.

Aparición de san Bruno a Rogerio Guiscardo

El conjunto se completa con un cuarto apartado denominado, El ciclo cartujano de El Paular (1626-1632), obra cumbre de Carducho. Este contrato comprendía cincuenta y seis cuadros que representaban el origen de la orden y la historia de su santo fundador, además de una serie de lienzos de cartujos ilustres y escenas de persecuciones y martirios. Fue el ciclo monástico más importante de todo el Siglo de Oro y la culminación de la carrera del artista. Un trabajo laborioso que se iniciaba con los estudios en papel del conjunto o de figuras por separado, para luego pasar al modello, un óleo de tamaño reducido que debía ser aprobado por el prior. Finalmente, se acometía el cuadro definitivo con la colaboración del taller u obrador.

Vicente Carducho ha pasado a la Historia del Arte, no sólo por sus pinturas y el enorme legado de los dibujos, sino también por ser teórico de la pintura. Así, la quinta sección de la muestra, Nobleza y liberalidad del arte del dibujo, se dedica a la lucha del autor por elevar la consideración de este arte y en favor de la creación de una Academia Artística a imitación de las italianas. Sus ideas se plasmaron en diferentes escritos, de los que sobresalen, los Diálogos de la Pintura (1633), uno del los tratados artísticos más importantes del siglo XVII.